sábado, 26 de marzo de 2016

Hércules Florence

El mismo año de la muerte de Niépce, en la villa de Sao Carlos ( Hoy Campinas), estado de Sao Paulo en Brasil, Hércules Florence utilizaba ya un procedimiento de su invención que había bautizado Photographie. Nacido en Niza en 1804, Florence, después de demostrar sus dotes para el dibujo y las matemáticas, movido por su interés por la geografia y los viajes, dejó Francia y embarcó hacia Brasil en 1824 . Después de desempeñar distintos trabajos, llegó al estado de Sao Paulo en 1830 donde moriría en 1879.
Florence es un caso típico de investigador autodidacta que inventa la zoophonie, estudio de las voces animales, preconiza la creación de un sexto orden arquitectónico inspirado en las palmeras brasileñas, pero fundamentalmente busca la posibilidad de reproducir fácil y económicamente textos e imágenes, lo que le permitiría alimentar a su familia que llegó a contar con veinte vástagos.
Junto con sus sistemas de poligrafia idea en 1833 la fotografía, que le permite fijar imágenes de la cámara oscura, multiplicar escritos y dibujos por la acción de la luz en papel tratado con nitrato de plata. Idea también una emulsión sobre placa de cristal y aplica principalmente su producción en papel fotosensible para realizar diplomas masónicos y etiquetas de botica.

Habría que esperar la labor de rescate de Boris Kossoy en 1976 y la publicación de la primera edición de su libro Hércules Florence de 1833: a descoberta isolada de fotografia no Brasil para dar a conocer el caso de este inventor aislado en tierras americanas que escribió al final de su vida:
" Cuando en 1939 tuvo lugar el invento de Daguerre, dije para mis adentros: si hubiese permanecido en Europa, se hubiese reconocido mi descubrimiento"

martes, 8 de marzo de 2016

trucos fotográficos


videos fotograficos


Joe Lynn Turner " Street of Dreams: Live in Boston"

Joe Lynn Turner " Street of Dreams: Live in Boston" 1985
Temas:
I Found Love
Losing You
Soul Searcher
Young Hearts
Endlessly
Rescue You
Stone Cold
Street of Dreams
Feel the Fire
Guitar Solo / Good Girls Gone Band
Get Tough
On the Run
Them Changes

Formación:
 Joe Lynn Turner: vocals
  Alan Greenwood: keys
  Chuck Burgi: drums
Bobby Messano : guitar, bass, background vocals
produced by roy thomas baker.



Joe Lynn Turner no necesita presentación, vocalista de Deep Purple, Rainbow, Fandango, y multiples colaboraciones con músicos de prestigio cómo Yngwie y cia, en cuanto a su discografía en solitario, ya es otro cantar, muy irregular. Una carrera con más bajos que altos, lo mejor de su carrera en solitario, sin lugar a dudas fué el Rescue You de 1985, una obra maestra del AOR.  El bueno de Joe, al salir de Rainbow, supo aprovechar el momento y editar un trabajo muy en la línea de lo que hacia con Blackmore, por aquella época, es decir, evolucionar hacia el AOR.
Me resultaria dificil quedarme con un tema de este enorme trabajo.  Losing you es la  pista más rockera del álbum  con The Race is On , con Joe  más rockero. Sin duda prelude/endlesssly, es el temazo del álbum, ese medio tiempo melódico subiendo en tonalidad, dónde Joe  despliega varios registros a la vez, un tema dónde puede desplegar todas su calidad vocal, que le va cómo anillo al dedo.
Rescue you, es un tema muy anodino de hard rock, pero por la mitad tiene una parada rítmica muy interesante, dónde Joe  pone voz grave y se luce, acompañado de unos teclados muy pomp aor, bastante interesante.
Eyes of love, otro medio tiempo melódico, interesante, soul searcher, es una canción muy en la onda de los Survivor y su Eye of the Tiger, me gusta, rockera, muy comercial eso sí, subiendo en ritmo y intensidad.
Young heart, es un gran tema que sirve de enlace con endlesdly, sin duda el momento más maravilloso del álbum , ese enlace entre estos dos grandes temas, un suave teclado, y joe cantando con mucho sentimiento, hasta una subida de intensidad muy sentida, aunque comedida.
Quizás echo de menos más guitarrazos y menos teclado, y una bateria demasiado suave, pero cómo dije este album sólo estaba pensado para dos cosas: lucimiento personal de JLT  y que sus temas sonaran en la radio, consiguieron los dos objetivos, aunque para mi gusto, este album no le sirvió a joe lynn turner para conseguir una carrera en solitario fructifera. Mira a Dio y su Holy Diver, le sirvió de base, para asentar una carrera solitario muy fructifera, pues Joe Lynn Turner también empezó con un discazo pero después no supo rematar la faena. Un gran álbum este Rescue You, la mejor cara de Joe.
Este concierto acaba de salir hace poco al mercado, de todos los lanzamientos revival, me parece uno de los más interesantes. El directo fué grabado en Boston en 1985, es la gira del mejor álbum en solitario de JLT, " Rescue You". El sonido de este directo es excelente, y también quiero destacar el papel destacado que juegan Messano a la guitarra y Alan Greenwood a los teclados. En el set list, no falta absolutamente nada, también contamos con temas de los Rainbow cómo Stone Cold.  Pero lo que más agrada de escuchar en este trabajo son los grandes éxitos de este cantante cómo Soul Searcher o Endlesly, lo dicho, el directo más interesante que salió este año.

domicilio conyugal

1970 Francia 97 minutos. director: Francois Traffaut. Guión: François Truffaut, Claude de Givray, Bernard Revon. música: Antoine Duhamel. fotografía: Nestor Almendros. productora: Coproducción Francia-Italia; Les Films du Carrosse / Valoria Films / Fida Cinematografica. comedia. Reparto: Jean Pierre Léaud, Claude Jade, Hiroko Berghauer, Daniel Ceccaldi, Claire Duhamel, Barbara Laage.
Sinopsis: Antoine y Christine son una pareja de recién casados. Mientras él se gana la vida vendiendo flores secas por las calles de París, su mujer imparte clases de violín. Pasa el tiempo y tienen un bebé, pero Antoine, que sigue siendo un hombre emocionalmente inestable e inmaduro, tiene una aventura extramatrimonial.

 La acción tiene lugar en Paris, en 1969/70. Analiza el amor conyugal de Antoine (Jean-Pierre Léaud) y Christine (Claude Jade), recién casados. Sitúa frente a frente dos maneras de ser, dos modos de entender el amor, dos educaciones diferentes y dos extracciones sociales contrapuestas. La historia traspira el encanto y la poética propios del realizador. Christine llena la pantalla de elegancia, sensibilidad y sensualidad. Antoine desborda vitalismo y simpatía. La vida en común trascurre al amparo del amor de recién casados, que en general facilita la adaptación a la nueva vida y permite la superación de algunas dificultades. El entorno que les rodea viene marcado por la excentricidad de los personajes que pueblan el patio de vecinos de la vivienda que ocupan (cantante de ópera exageradamente puntual, veterano de la IGM recluido en casa desde hace 20 años, un curioso personaje apodado "el estrangulador", etc.).


El humor y la ironía salpican el metraje con ocurrencias y lances que mantienen la sonrisa a flor de labios casi sin interrupción. Se hace uso de recursos sencillos e imaginativos: aviso en japonés, cena de potitos y similares. En otras ocasiones se recurre al surrealismo y al humor negro, como en la escena en la que una chica enamorada da fe de su amor diciendo al amante: "Si tuviera que suicidarme, me gustaría hacerlo contigo".

La fotografía es de Néstor Almendros, en su segunda colaboración con Truffaut, sobre un total de ocho. Ofrece encuadres de gran precisión, un dibujo magnífico y combinaciones armónicas de colores suaves (blanco, azul, verde, gris). Construye composiciones novedosas y efectivas (imagen de Antoine de pie en el suelo junto a Christine de pie sobre una tarima con encuadre a la altura de la cabeza de él). Algunas tomas provocan desconcierto y sorpresa, como el derribo de un tabique visto desde el lado opuesto al de quien lo derruye con gran estrépito. Para desvelar al espectador un feliz acontecimiento futuro se utiliza la imagen inmensa de una valla estática. La música ofrece temas predominantemente románticos, de formación orquestal, que suenan con brío y fuerza. Destacan las composiciones "Christine", "Kyoko", "Les charmes du Japan", "Hereuxs en menage" y otros.


El realizador no oculta su amor al cine de los grandes maestros y su deseo de contagiarlo al espectador. La vida en el patio de vecindad parece inspirarse en Jean Renoir, la excentricidad de algunos vecinos posiblemente evoca a Jacques Tati, las miradas furtivas desde la ventana podrían ser de Hitchcock, el silencio que se produce al paso del "estrangulador" recuerda a Lubitsch, los encuadres de piernas rinden homenaje a Buñuel (de moda entonces en Francia). La caracterización de Christine subraya su parecido con Catherine Deneuve. Abundan las citas cultas, sobre todo las cinéfilas y literarias.
https://www.youtube.com/watch?v=f9gGZJdR3yg
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investigación policial

2013 90 minutos. España Director: Daniel Aguirre. Guión. Daniel Aguirre. Música: Daniel Aguirre, David Jimenez. Fotografía: Daniel Aguirre, Javier S. Polonio, Julio Vallejo. Productora: Sietetresochotres. Reparto: Antonio Resines, Daniel Aguirre, Sergio Cortina, Ingrid García, Belen López, Iñaki Cano.
Sinopsis: Sergio y Dani pasan demasiadas horas metidos en una monótona investigación que parece no ir a ninguna parte. Llenan los tiempos muertos hablando de sus cosas e intentando encontrar un equilibrio con su resentida vida familiar y personal. Hasta que la aventura de sus vidas aparece por sorpresa.

Diálogos surrealistas, despropósitos continuos, situaciones absurdas. Un dúo que parece una buddy movie con uno con mentalidad de Don Quijote a quién el otro contagia con sus teorías absurdas. Una pareja de aficionados que sospechan que pueden llevara cabo un descubrimiento importante en su lucha contra los malvados.
Como dijo el director ¿en qué película se muestra lo que sucede durante la espera de una investigación policial? En esta sí se muestra.

Y se muestran muchas cosas más: un matrimonio singular, el colega que supuestamente es una eminencia en lo último en tecnología de material de espionaje de andar por casa, una oficina con un jefe casposo, etc.


Una película divertida, original y descacharrante con un casting muy acertado. Según contó el director la mayor parte de los diálogos son improvisados y la montadora tenía muchas tomas para elegir y requirió un importante esfuerzo que los diálogos no desbarraran demasiado a ojos del espectador. Realmente me dió la impresión de tener unos diálogos tan surrealistas que me parecían estar perfectamente calculados.


A la película habrá quién la etiquete como post-humor de la escuela de Miguel Noguera. Otros verán otras referencias. A mi me pareció una película tan loca como calculada. Hila muy fino. Tiene una desarrollo muy original en la forma de contar una historia donde se supone que no debería pasar nada y pasan muchas cosas. Y ninguna es la que te esperas porque no tienes ni idea de lo que pasará en el minuto siguiente.
https://www.google.es/search?q=investigaci%C3%B3n+policial+pel%C3%ADcula&biw=1320&bih=688&tbm=vid&source=lnms&sa=X&ved=0ahUKEwjX3MHzpJrLAhWEaRQKHUByAfwQ_AUICCgC&dpr=1.09
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El Renacido

2015 Usa 156 minutos. Director: Alejandro González Iñárritu guión: Mark L. Smith, Alejandro González Iñárritu (Novela: Michael Punke). música: Carsten Nicolai, Ryûichi Sakamoto. fotografía: Emmanuel Lubezki. Productora: New Regency / Anonymous Content / RatPac Entertainment; Distribuida por 20th Century Fox. western. Reparto: Leonardo dicaprio, tom hardy, domhall gleeson, will poulter, forrest goodluck, paul anderson, kristoffer joner, joshua burge, duane howard, melaw najehk, fabrice adde, arthur redcloud, christopher rosamond, robert moloney, lukas haas, breandan fletcher, tyson wood, mccaleb burnet.
Sinopsis: Año 1823. En las profundidades de la América salvaje, el explorador Hugh Glass (Leonardo DiCaprio) participa junto a su hijo mestizo Hawk en una expedición de tramperos que recolecta pieles. Glass resulta gravemente herido por el ataque de un oso y es abandonado a su suerte por un traicionero miembro de su equipo, John Fitzgerald (Tom Hardy). Con la fuerza de voluntad como su única arma, Glass deberá enfrentarse a un territorio hostil, a un invierno brutal y a la guerra constante entre las tribus de nativos americanos, en una búsqueda implacable para conseguir vengarse


 30 minutos. Solo son necesarios 30 minutos de este filme para saber que no se está viendo una simple película sino que se está presenciando cine con mayúsculas. No recuerdo un inicio de película tan tremendamente brutal desde Salvar al Soldado Ryan, salvando, valga la redundacia, las distancias, porque si en esta se nos presentaba la brutalidad del Desembarco de Normandía de la manera más cruda y mejor rodada posible, en The Revenant nos presentan a los personajes en medio de una batalla entre indios y colonos, que gracias a los movimientos de cámara de Iñarritu y la increíble fotografía de Lubezki nos muestra que la violencia bien rodada puede ser sinónimo de belleza.


Durante estos minutos de los que hablo no se da descanso al espectador y rápidamente llega LA ESCENA, todo el que vea la película sabrá a cual me refiero, y es tan brutal que será díficil llegar a olvidar una vez vista, y, me atrevería a decir, que será una de esas escenas recordadas cuando se hable de la historia del cine.

Por otra parte, Di Caprio esta brutal, y con brutal quiero decir a que está a un nivel superior a lo que nos tiene acostumbrados, que no es decir poco. Glass, su personaje, le proporciona escenas hechas para su propio lucimiento y que le obliga, además de sacar a flote su estupenda faceta actoral, a tener una potencia física impresionante al alcance de muy pocos actores. Refleja de una manera brutal los sentimientos de su personaje, las ansias de venganza por encima de cualquier circunstancia y todo ello sin apenar soltar palabras de su boca.
La mugre, los trozos de carne desgarrada, la sangre, todo le sienta bien a Di Caprio, chapó. Si este año no gana el óscar que deje de intentarlo.


Como "villano" de la cinta tenemos a un estupendo Tom Hardy que lo da todo en pantalla haciendo de tipo despreciable, con un acento de "paleto" que al principio es díficil digerir pero que va puliendo a medida que avanza la película. Imprescindible escuchar en VO.

Hablemos también de la factura técnica de la película,que en todos, absolutamente TODOS los aspectos roza la perfección, la fotografía de Lubezki es impresionante, los bosques nevados, los ríos helados, los fríos desiertos, podrías sentir una hipotermia sentado en el sofá de casa. Y no pasa desapercibida la edición de sonido, que ayuda, aún mas si cabe, a introducirse por completo en la pantalla. La dirección y el manejo de cámara tampoco se quedan atrás, Iñarritu se recrea en cada gota de lluvia y en cada chispa de fuego para hacernos sentir lo más próximos posible al protagonista.


Lo que si está claro, y que le hace restar algunos puntos, es que la duración es excesiva, se podría decir que confiaba algo más en Iñarritu a la hora de medir los tiempos, pero las dos horas y media que dura tampoco molestan pues aún cuando baja un poco el listón sigue siendo una película notable. Es obvio también que la segunda mitad es peor que la primera, pero es que los primeros 45-50 minutos son totalmente insuperables. Empieza muy potente y no le queda más remedio que ir perdiendo ritmo, al menos hasta el último tramo, donde vuelve a aumentar. Pero aún así, como ya digo, no es un problema, al menos desde mi punto de vista.
El guión no es tampoco ninguna obra de arte, se centra más en como se cuenta que en lo que se cuenta, pero que mas da cuando se cuenta de una manera tan maravillosa.

En definitiva, es una revisión del western, con todos los elementos que lo caracterizan, la venganza, la suciedad, la violencia, la supervivencia... Todo ello mezclado con claras influencias de Malick y con la estupenda narración de Iñarritu.
https://www.youtube.com/watch?v=LoebZZ8K5N0
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Deadpol

2016 Usa comedia. 106 minutos. director: tim miller. guión: Rhett Reese, Paul Wernick (Personajes: Rob Liefeld, Fabian Nicieza) música: junkie xl. fotografía: ken seng. productora: Marvel Enterprises / Marvel Studios / 20th Century Fox. reparto:  ryan reinolds, morena baccarin, ed skrein, gina carano, tj miller, rachel sheen, brianna hildebrand, paul lazemby, sean quan, ben wilkinson, naika toussaint, olesia shewchuck, kyle cassie, style dayne, fabiola colmenero, stan lee.
Sinopsis: Basado en el anti-héroe menos convencional de la Marvel, Deadpool narra el origen de un ex-operativo de la fuerzas especiales llamado Wade Wilson, reconvertido a mercenario, y que tras ser sometido a un cruel experimento adquiere poderes de curación rápida, adoptando Wade entonces el alter ego de Deadpool. Armado con sus nuevas habilidades y un oscuro y retorcido sentido del humor, Deadpool intentará dar caza al hombre que casi destruye su vida.

 Me acuerdo cuando en los 90 leía los comics de X-Force donde aparecia el descerebrado llamado Masacre (nombre de Deadpool en los comics Fórum). Francamente, era un personaje tonto y descerebrado, un supervillano por estupidez que por elección, que perseguía a la multiforme Vanessa y no tenía inconvenientes en matar a cualquiera. Un personaje deleznable. Y miradlo, con su propia película, su ejército de seguidores y un éxito arrollador en las salas de cine, lo que propiciará una más que segura secuela.

¿Y como se ha conseguido tamaña sorpresa? Con una película irreverente, gamberra, para mayores de 18 años, más próxima a Kick-Ass en sus continuados y repetidos contenidos y referencias sexuales, con un guión plagado de guiños a cualquier cosa del mundo cotidiano y del propio de los actores como las continuas referencias a Hugh Jackman, tanto como actor como al personaje de Lobezno, a Linterna Verde (que interpretó Ryan Reynolds), al propio Ryan Reynolds, a los muebles de Ikea, a las películas de Liam Neeson y a un sinfín de cosas y detalles que ahora no recuerdo (hay un auténtico festín de esos detalles) que te hace disfrutar de casi cada minuto de película. Lo de menos es la acción. Lo mejor son los diálogos, estupideces y actos de un ser inmaduro que te cae bien desde el principio. Y Ryan Reynolds. Lo borda. Y de qué manera. Sublime. Glorioso. La creación del personaje no es nada fácil porque realmente lleva al personaje en vena. Y no es nada fácil.


Risas en la sala del cine. Muchas. La gente se lo pasó bien. Comentarios bajando las escaleras mientras salían. Buen rollo, aunque no para niños. Quizás es demasiado paródica y difícilmente encajable en el mundo de las películas Marvel, siendo más parecida por su exageración a La Máscara. Pero yo me divertí mucho. Y, aunque no lo parezca, tiene momentos dramáticos. Y como se dice al inicio del film "es una película de amor".

Y la escena post créditos. Tras su visionado llegas a la conclusión que el film es una inmensa broma, o una función de estudiantes gamberros de fin de curso. Brutal.
https://www.youtube.com/watch?v=UlCjtvxxTTk
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Casino Royale

1967 inglaterra 130 minutos. director: Jhon Huston.  guión: Wolf Mankowitz, John Law, Michael Sayers. música: Burt Bacharach. fotografía: Jack Hildyard. productora: Famous Artists Productions / Columbia Pictures. comedia
Reparto: Peter Sellers, Ursula Andress, David Niven, Woody Allen, Joanna Pettet, Orson Welles, Deborah Kerr, William Holden, Charles Boyer, Daliah Lavi, Jean Paul Belmondo, George Raft, John Huston, Terecen Cooper, Barbara Bouchet, Jackeline Bisset, Ronnie Corbett, Bernard Cribbins, Peter Otoole, Burt Kwouk, David Prowse, Anjelica Huston, Geraldine Chaplin.

Sinopsis: James Bond, en su dorado retiro, se deja convencer por una delegación de las grandes potencias para participar en una investigación sobre la SMERSH, una misteriosa organización internacional que pretende acabar con la estabilidad mundial.

 Ya sabía de antemano que la película, pese a incluir a tantos cineastas de tantísimo talento (Orson Welles, Peter Sellers, Woody Allen, David Niven, John Huston y un larguísimo etcetera) no estaba a la altura ni de las obras menores de estos genios. Pero es mucho peor de lo que esperaba ¡Qué película tan mala! Incoerencia brutal entre escena y escena. Cantidad oscena de personajes. Situaciones irrelevantes y absurdas. Y elementos totalmente descontextualizados.

Y se preguntaran, ¿por qué entonces un 8 de nota? Porque conseguir una película tan tan mala con tan buenos cineastas, solo puede ser obra de un retorcido genio de lo sordido. Yo no habría sido capaz de hacerla tan mala, ni por ende, tan divertida. La he visto con mi hermano de 13 años y no hemos parado de reir en toda la película. Sí, me gusta el absurdo, y sí, estoy influyendo muy mal en mi pobre hermano pequeño al ponerle estas cosas. Pero tomarse esto en serio es una soberana tontería. Cuando quiero ver buen cine me pongo otras películas de estos mismos cineastas. Pero si te quieres reir, no lo vas a hacer con "El Tesoro de Sierra Madre", lo haces con esta. No quiero decir que no haya comedias de calidad, las hay, pero simplemente esto es otro estilo de humor.

Esta película nos demuestra que estos genios eran unos cachondos (y que quizás abusaban del LSD en los 60) y ya está. No hay que buscar el significado donde no lo hay. Y la gente que se lamenta que la unión de estos cineastas no haya supuesto una obra maestra, está en lo erroneo. Ellos son (o eran) directores y actores con estilo propio, muy personal. Si hubiesen intentado algo en serio habría quedado una película normalucha como mucho, lo que habría supuesto una gran decepción y encima ¡no me habría podido reir con mi hermano un buen rato! Es la mejor película que podrían haber hecho juntos, y ya está (verás que poco le gusta a la gente esto último XD) Y puestos a polemizar, es más absurda que cualquiera de los Monty Pyhton (aunque menos sutil y divertida). Un pelicula muy "grande"
https://www.youtube.com/watch?v=xEnoKqiGJFI
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Canción de cuna

1994 España 101 minutos. drama. Director: Jose luis Garci. guión: José Luis Garci & Horacio Valcárcel (Teatro: Gregorio Martínez Sierra) música: manuel balboa. fotografía: Manuel Rojas. productora: Nickel Odoa. reparto:Fiorella Faltoyano, Amparo Larrañaga, Maria Massip, Carmelo Gómez, Maribel Verdú, Alfredo Landa, Virginia Mataix, Diana Peñalver, Maria Luísa Ponte.

Sinopsis: Cuando a las puertas de un convento de clausura aparece un cesto con una niña dentro, las monjas sienten despertar su instinto maternal. La superiora y el médico del pueblo, que es el único hombre autorizado a entrar allí, llegan a un acuerdo: él adoptará a la niña, pero se la entregará a las monjas para que la eduquen.

 En las últimas décadas nadie como Garci, cineasta o crítico, ha promovido con mayor entusiasmo en España la pasión por el séptimo arte. Su programa “¡Qué grande es el cine!” es ya mítico en este sentido, y es algo que siempre deberemos agradecerle.

Las tertulias eran divertidas y provechosas, a pesar (o también ese era su encanto) de sus limitaciones, como una mirada en exceso sesgada por la nostalgia: bastaba con que una película americana de los cuarenta o cincuenta (sobre todo si habían asistido a su estreno) presentara una factura simplemente correcta para que se pusieran a bailar jotas sobre la mesa vitoreándola como “obra maestra” —sí, también fueron responsables, de tanto usarlo indiscriminadamente, de la devaluación del término.

La trayectoria profesional de Garci es curiosa, porqué siendo prototipo del director cinéfilo, en lugar de empezar como es usual en estos casos (De Palma con Hitchcock, por ejemplo) rindiendo tributo a sus ídolos para poco a poco encontrar un camino más personal, ha efectuado el trayecto inverso. Sus inicios contienen imágenes despreocupadas, a veces desaliñadas (pero frescas y espontáneas), deudoras en todo caso de las tendencias setenteras (como zooms o hasta instantes videocliperos) y al servicio de la coyuntura, ya que no solo transcurren en ese tiempo presente sino que además toman partido por la realidad sociopolítica de la Transición.


Progresivamente fue prestando más atención a la estética, y es en su regreso a las pantallas tras unos años apartado, cuando a partir de “Canción de cuna” ambienta ya para siempre su cine en el pasado, al tiempo que cada vez se hace más perceptible su carácter mimético con el clasicismo de los maestros a quienes tanto admira, lo que en el peor de los casos deriva en copia academicista, carente del pulso de una personalidad creativa original.

A menudo he comentado con mis allegados que ante algunas de sus escenas no puedo evitar imaginarme a Garci durante el rodaje, preguntándose: “¿Qué habría hecho Ford aquí, o McCarey, etc.?, y rodando entonces la escena tal como cree que ellos la habrían resuelto. Por otro lado, si Tarantino recicla material ajeno pero para incorporarlo a su universo totalmente particular, los préstamos de Garci a menudo agotan su sentido en su propio exhibicionismo (ahí está el prólogo en plano secuencia de “El abuelo”, una excelente imitación de “Gertrud”, pero que muy poco o nada tiene que ver con el resto del film).

Pero sería injusto por ello dar carpetazo a su cine. Si en su inevitabilidad se aceptan estas condiciones, a partir de ahí se puede disfrutar plenamente de unas películas fabricadas desde el profundo respeto y cariño que su autor siente hacia el cine, gozosas para los sentidos (por su fotografía, dirección artística, precisión en los encuadres y música) y con un trasfondo humanista (a Garci le gusta decir que rueda con la cámara a la altura del corazón).

Particularmente lograda me parece la cualidad de su característico tempo sosegado (”me gustan las películas lentas porqué me da tiempo a pensar mientras las veo”, decía Juan Miguel Lamet), lo cual no excluye los sobresaltos: en “Historia de un beso” todavía recuerdo con un pavor solo superado por el giro de cabeza de la niña de “El exorcista”, el brinco que pegué en la butaca cuando sobre un bucólico paisaje asturiano retronó de pronto la voz del inefable Juan Manuel de Prada.


“Canción de cuna”, película muy engañosa por su tema y la fama de su director, sigue siendo mi preferida, como lo es también para el propio Garci, mientras que Miguel Marías (de su grupo, al que encuentro más atinado y cuyos artículos y libros son absolutamente recomendables), no dudó en colocarla en su lista de las diez mejores películas españolas de la historia en una encuesta de la revista "Nickelodeon".

Basada en la obra teatral atribuida a Martínez Sierra (hoy se sabe que la autora fue su mujer, María Lejárraga) y con varias adaptaciones al cine previas, incluyendo por cierto una norteamericana de 1933 a cargo de Mitchell Leisen, presenta una sencillísima historia ambientada en un convento y estructurada en dos partes: en la primera, las monjas se hacen cargo de un bebé abandonado, y en la segunda ese bebé se ha convertido en Maribel Verdú y vive su primer amor con Carmelo Gómez (lamentablemente doblado, otro de los peros habituales al cine garciano).
https://www.youtube.com/watch?v=BG67YowNhuk
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ilusiones de un mentiroso

1999 Usa Estados Unidos. Director: Peter Kassovitz. 115 minutos. guión: Peter Kassovitz & Didier Decoin música: Edward Shearmur fotografía: Elemer Ragalyi. productora: Columbia Pictures.  drama. Reparto: Robin Williams, Alan Arkin, Bob Balaban, Michael Jeter, Armin Mueller Stahl, Liv Schreiber, Hannah Tylor Gordon.
Sinopsis: Jakob era el propietario de un popular café del barrio judío de una localidad de Polonia. Después de la ocupación, sobrevive como puede en el ghetto implantado por el ejército nazi, antes de correr la misma suerte que su mujer, asesinada en un campo de concentración. Un día, por casualidad y estando cerca de un oficial alemán, oye las noticias por una radio, las cuales no son nada favorables para Hitler. Después de contarlas a los demás, todos creen que Jakob tiene una radio, momento a partir del cual decide inventarse noticias. Remake del film alemán "Jakob, el Mentiroso", dirigido en 1975 por Frank Beyer.
 La película por dirigida por Peter Kassovitz es un remake del film alemán "Jakob, el embustero" dirigido por un Frank Beyer que adaptó la novela "Jakob el embustero" de Jurek Becker.
El divertido Roben Williams encarna el papel de un Judío que sobrevive cerrado en un gueto bajo las leyes de los alemanes, los mismos que mataron su mujer en un campo de concentración. Por suerte o por desgracia, Jakob Heym escucha una noticia radiofónica informando el avance de los aliados. Jakob se verá presionado a mantener la esperanza entre los suyos, fingiendo tener una radio y mintiendo sobre las supuestas noticias que escucha.


Adaptación coherente al estilo Hollywood, injusta con la novela de Beker.
Tanto la novela como la primera versión tuvieron problemas con la RDA por tratar el tema del holocausto, por este motivo, la trama no se centra en las injusticias y penurias de los judíos, siendo este un recurso cinematográfico muy utilizado por Hollywood, sinó en la historia de un hombre singular que tendrá la responsabilidad de mantener en pie a todos aquellos que malviven dentro del gueto.
Y no teniendo bastante con esta responsabilidad casi heroica, Jakob tendrá que mantener y esconder a Lina, una niña huérfana, que interpretada por Hannah Taylor-Gordon (más conocida por haber interpretado a Ana Frank en "Anne Frank: the whole story"), transmite al espectador el desampararo de todos los judíos en el gueto. El mismo Jurek Becker dice en su libro ".. pues Lina significa algo en este relato, lo redondea".
Gracias a R. Williams, el drama familiar contiene algunas escenas divertidas que darán risa a los niños y entretendrán a los adultos, pero que ni mucho menos llega a divertir y conmover al espectador como lo consigue un excel•lente Roberto Benigni a "La vida es bella".
Todo y el contexto del holocausto, no hay silencios a lo largo del film, está todo cubierto de diálogos codeados con música orquestal.


Como lector de la novela me resulta difícil identificar a R. Williams con el Jakob original. Una producción de Hollywood siempre necesita un tipo de héroe altruista, noble y simpático para poder acentuar la emotividad de su figura al espectador, justo al contrario de la intención de Becker.
Si se busca entretenimiento, este film brinda una buena oportunidad, pero si se quiere ver una por película más fiel al libro, recomendaría ver la versión alemana, aun así Kassovitz consigue cuadrar un final muy original.
http://www.imdb.com/video/screenplay/vi3516006681
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legítima defensa

1997 Usa 135 minutos.  director: Francis Ford Coppola.  Guión Francis Ford Coppola (Novela: John Grisham) Música: Elmer Bernstein. Fotografía: Jhon Toll.  drama judicial. Productora: Paramount Pictures.
Reparto: Matt Damon, Danny de vito, Claire Danes, Jon Voight, Danny Glover, Mickey Rourke, Mary Kay, Roy Scheider, Virginia Madsen, Teresa Wright, Andre Shue, Dean Stockwell, Randy Travis

Sinopsis: Rudy Baylor (Matt Damon), un joven recién licenciado en derecho, y un veterano empleado de despacho de abogados (Danny DeVito) se alían para enfrentarse a un prestigioso bufete que trabaja al servicio de una poderosa compañía médica de seguros. El caso del que se ocupan, el de un joven moribundo, irá adquiriendo dimensiones cada vez más inquietantes.
 The Rainmaker es la adaptación cinematográfica de una novela (la mejor según la crítica) del escritor de thrillers judiciales John Grisham. La película fue realizada por Francis Ford Coppola, si bien por encargo, aunque el director demuestra su habilidad en la narración y, como él mismo declaró, puso un gran esfuerzo en mostrar los inicios profesionales de un joven, tal como cuando él se inició en el cine. Para ésto, Coppola se nutrió de un reparto bastante importante: Matt Damon, Jon Voight, Danny DeVito, Claire Danes, Mickey Rourke, etc., y un sorprendente Danny Glover que por algún motivo no aparece en los créditos.
Ante todo debo decir que el libro me fascina. Lo leí varias veces, y cada vez me sigue atrapando. Por supuesto, es absolutamente comercial y está lleno de licencias. Grisham no escribe precisamente clásicos. Pero hay una historia detrás, y está verdaderamente bien contada. Uno no puede menos que simpatizar con el joven abogado y sufrir con él las peripecias a que se ve sometido.

Como toda adaptación de un libro, creo que la película pierde bastante. Es imposible repetir en imágenes la miríada de situaciones, encuentros y pensamientos de que se compone una historia escrita en un libro. Mal que le pese al cine, hay aspectos en que los libros son irreemplazables. Y eso que estamos hablando de una película de más de dos horas, lo cual por otra parte no se siente en absoluto, ya que la mano del director guía con suavidad el desarrollo, sin caer en la pesadez en ningún momento. (De hecho, el primer corte de la película fue de más de seis horas, lo que muestra la riqueza de situaciones de la novela original.)
El título original The Rainmaker, que literalmente significa "hacedor de lluvias", designaba en las tribus antiguas al encargado de hacer danzas para atraer la lluvia. Por tanto, refiere a la persona que trae abundancia o tiempos de bonanza. Y también, metafóricamente, al profesional que, dado su excelente trabajo, atrae nuevos clientes.

Por último, no puedo menos que simpatizar con Khaledia (de quién admiro la sensibilidad que demuestra a través de sus comentarios) y tantos otros usuarios de la página que tienen uno o más admiradores secretos que se dedican a darle al No con todo cariño a sus críticas. Desde hace un tiempo, parece que yo también me he conseguido uno de esos que, evidentemente, no tienen mejor cosa que hacer.
https://www.youtube.com/watch?v=N5JN3OHqyb0
película completa en inglés

Mór Than

Mór Than (Óbecse/Bečej, 1828 – 1899) fue un pintor húngaro. Fue educado en Italia y en Viena  dadas sus facultades y estilo similares a las de famosos pintores de su tierra natal. Trabajó en un estilo realista preimpresionista. Sus temas eran mayormente eventos históricos y retratos, así como temas fantásticos o mitológicos. Sus frescos decoran prominentes edificios públicos en Budapest.


Mór Than diseñó también el primer sello de correos húngaro en 1848. El dibujo se muestra en la parte izquierda. De todas maneras, la estampilla se dejó de imprimir desde 1849 , cuando Hungría perdió su independencia y se transformó en una provincia del Imperio austríaco.

Rolleiflex

La Rolleiflex es una de las mejores opciones que tienen los estudiantes y aficionados a la fotografía para acceder al formato medio en película. Me decidí a comprar la Rolleiflex, hace ya casi veinte años, por ofrecerme, a un precio asequible, la posibilidad de trabajar en 6×6, por la gran calidad de la óptica de Zeiss y por tener buena luminosidad en la pantalla de enfoque. Bueno, y para ser del todo sincero, también influyó el hecho de que la Rolleiflex es una de las cámaras más bonitas que se han fabricado.Paul Franke y Reinhold Heidecke abrieron la fábrica de Rollei en la ciudad alemana de Braunschweig en 1920. Su primera Rolleiflex fue presentada en 1928. En esta cámara adoptaron el sistema de visor TLR (twins lens réflex) que consta de un par de lentes gemelas. La lente inferior se ocupa de la exposición y la lente superior no tiene diafragma ni obturador. Se usa para llevar la luz al espejo interior que la refleja sobre la pantalla de enfoque.Como la cámara usa película de 6×6 cm. la pantalla de enfoque también usa estas medidas, con lo que tenemos un visor de gran tamaño con todas las ventajas que eso conlleva a la hora de componer y enfocar. Pero también tiene una desventaja: vemos la imagen a la inversa, la derecha está a la izquierda y la izquierda está a la derecha. Esto lo provoca la ausencia de pentaprisma.

 Esta inversión de la imagen despista un poco al principio, haciendo que movamos la cámara hacia el lado contrario del que queremos, pero en poco tiempo uno se acostumbra y deja de ser un inconveniente.

Hin Chua

Hin Chua nació en Malasia de origen chino y emigró a Australia cuando era adolescente. Estudió ciencias de la computación y la primera vez que cogió una cámara fue en un intento de ligar con una chica. Funcionó y ya no ha dejado la fotografía.
Hin ha utilizado su vida nómada como inspiración para su fotografía, capturando temas que van desde los trabajadores de oficina en su serie They Called me a Corporate Whore a los paisajes urbanos y rurales en After the Fall.
Ha expuesto a nivel internacional. Podemos citar su reciente exposición Pause to Begin en Booksmart Studio en Rochester, Nueva York, Photodebut - Photosocial en la Photographers Gallery de Londres en 2008, New Exposure  en Candid Arts Trust de Londres en 2008 y en una exposición en grupo en Humble Arts Foundation en 2007.
Su trabajo también se ha publicado extensamente en revistas internacionales: After the Fall en la Case Magazine y Moloko+,  What We Want en Dayfour y They called me a Corporate Whore en L'Espresso y La Repubblica delle Donne.

Es un miembro del colectivo fotográfico de Londres Photodebut, y en 2009 fue premiado en el Magenta Flash Forward como fotógrafo emergente.

Miguel de Cervantes o el Deseo de vivir

La figura de Miguel de Cervantes, genio de las letras castellanas, ha quedado oculta durante siglos bajo la sombra de don Quijote de la Mancha, su universal personaje. No en vano, el cuatrocientos aniversario de la muerte del célebre autor brinda la ocasión perfecta para la muestra que estas semanas acoge el Instituto Cervantes. En ella, el fotógrafo José Manuel Navia revisita la trayectoria vital y profesional del hombre que fue Cervantes, genio consciente, en opinión de unos, o "ingenio lego", en palabras de otros como Miguel de Unamuno, y del devenir de su obra.

Concurso de fotografia Perspectiva

1. Términos y condiciones
Las presentes bases del concurso amplían los términos y condiciones de uso del servicio Fomunity. En caso de entrar en contradicción prevalecerán las condiciones establecidas en las presentes bases. La participación en este concurso implica la aceptación de los términos y condiciones de uso de Fomunity, de todas sus bases y normativa del concurso, así como los cambios que Fomunity pueda llevar a cabo por causas justificadas.
2. Participantes
Podrán participar todos los fotógrafos profesionales o aficionados que estén interesados
3. Tema
La fotografía es una representación en dos dimensiones a la que la perspectiva pretende dar volumen y profundidad.
4. Obras
Cada participante podrá presentar un máximo de 3 fotografías, siendo cada una de ellas no premiada en ningún otro certamen (dentro de Fomunity o no) y propiedad del autor. Las fotografías deben contar con unas medidas mínimas de 1.000 píxeles en su lado más corto y máximas de 10.000 píxeles en su lado más largo, con un tamaño máximo de 10 MB, en formato JPG (JPEG). Se admitirán los ajustes propios del revelado digital (balance de blancos, exposición, niveles, contraste, saturación, enfoque, eliminación del viñeteado…), asi como la limpieza de partículas, y recortes moderados. No se admitirán alteraciones de la imagen, o de parte/s de ella, que impliquen que la fotografía pase a reflejar una realidad distinta a la fotografiada.
Solamente se aceptarán las fotografías presentadas a través de la página del concurso
Para fomentar la originalidad de las obras, no se publicarán las fotografías presentadas hasta la finalización del período de presentación. Para ayudar en la imparcialidad del jurado en la selección de las obras, no se mostrarán los autores de cada una de las fotografías hasta la publicación el fallo del jurado.
5. Fechas
El período de presentación de las fotografías se inicia el día 21 de Marzo de 2016 a las 00:00 horas y finaliza el día 2 de Mayo de 2016 a las 23:59 horas.
El fallo del jurado se emitirá el día 9 de Mayo de 2016 y será visible en la página del concurso.
La hora oficial de Fomunity será CET, teniendo en cuenta el horario de verano CEST.
6. Jurado
El jurado del concurso será José Beut Duato, y su fallo será inapelable.
7. Premios
Existirá un único ganador absoluto, que recibirá la cantidad de 150€ como premio.
8. Observaciones
No se admitirán obras que atenten contra la dignidad de las personas y/o contra los derechos humanos.
No optarán a premio fotografías en las que figure cualquier texto sobreimpreso o marca de agua, ni las que tengan cualquier tipo de marco o que identifiquen al autor de cualquier manera (en la fotografía, en el título o en el argumento). Cualquier fotografía que no cumpla dichas características será descartada por el jurado. Los participantes serán responsables de las reclamaciones que se produjeran por derechos de imagen y terceros. Fomunity se reserva el derecho de eliminar del concurso cualquier fotografía que, a criterio del jurado o del equipo de Fomunity, se considere que, de manera evidente, no se ajusta al tema propuesto.
Cualquier caso imprevisto no contemplado por estas bases será resuelto por el jurado conjuntamente con el equipo de Fomunity
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